Париж в живописи зарубежных художников. Жан беро о жизни парижа в картинах
Париж служил обрамлением многочисленных праздников, как с участием королей, таки народных гуляний.
Одно из самых пышных торжеств было организовано в 1612 г., по случаю свадьбы Людовика XIII и Анны Австрийской. На Королевской площади - теперь площадь Вож три дня длились конные шествия в честь церемонии. Неизвестный художник сконцентрировал на своей картине события всех трех дней, создав контраст между приятной путаницей входов и строгостью фасадов.
Среди народных празднеств самым любимым при королевской власти был карнавал. В начале XX в. карнавал превратился в парад повозок вдень Средопостья. Луиджи Луар(1845-1916), чье творчество в большинстве посвящено Парижу, сделал карнавал сюжетом многих своих полотен. Его работа Средопостье в Париже безгранично расширила границы улицы Риволи, чтобы приглушенными тонами сделать из нее строгое обрамление к ярким краскам карнавальных повозок.
Другим типом праздников стали Всемирные выставки. Та, что прошла в 1878 г., позволила Франции заявить о своем вновь обретенном процветании. В день открытия улицы Парижа покрылись тысячами флагов в общем порыве патриотизма горожан. Клод Моне (1840-1926) не смог остаться бесчувственным к такому зрелищу. Его картина Улица Монторгей 30 июня 1878 года передает не только хаотичное смешение цветов, но и то приподнятое настроение, что захлестнуло людей. Когда днем национального праздника был выбран 14 июля, с 1880 г. это зрелище стало проходить каждый год. Рауль Дюфи (1877-1953) также поддался очарованию этой темы. Его Флаги на улице все еще полны импрессионистских настроений, но широкие мазки и новое использование цвета говорят о постепенном приближении художника к фовизму.
Картины прошлого
Как Каналетто, запечатлевший в своих работах Венецию, так и Жан-Батист Рагне(1715-1793) мастерски изображал виды Парижа. Для будущих поколений он оставил облик города XVIII в., выписанный со старательнейшей точностью, не лишенной очарования. Одной из самых интересных работ является Состязание лодочников, напоминающая о праздниках на воде, часто проводившихся на Сене при королевской власти. На картине изображены дома, в то время еще стоящие на мосту Нотр-Дам. Действительно, все мосты Парижа, за исключением Пон-Неф (Нового моста), были застроены. Но в 1786 г. по королевскому указу состоялся их снос.
При царствовании Наполеона III в городе произошли и другие значительные разрушения, придавшие Парижу его теперешний облик. Многочисленные художники, влюбленные в старый город, еще средневековый во многих местах, постарались сохранить для потомков изображения тех строений, что были приговорены к сносу. Такими были Поль Шаан, Л. Меер и Альбер Пьерсон. Их работы не являются общепризнанными шедеврами, но не лишены очарования. Картина Шаана Бьеврубьефа на улице Баланси сохранила для нас воспоминание о реке, протекавшей по XIII и V округам, прежде чем попасть в Сену у вокзала Аустерлиц.
Второй художник, Л. Мейер, оставил потомкам вид на Заросли Монмартра. Это легендарное место, вдохновившее многих художников, находилось на северном склоне холма. В то время здесь был свободный участок с жалкими хибарками, разросшимися так, что образовались трущобы. Когда была проложена улица Жюно, все домишки снесли.
Третий мастер, Альбер Пьерсон, в картине Пассаж Обезьян изобразил перспективу переходов, соединявших улицу Вьей-дю-Тампль и улицу Гиллемит. В центре Парижа в то время было множество сложных и разнообразных переходов и пассажей между улицами.
Городские пейзажи
Метаморфозы, случившиеся с Парижем во времена Второй империи, придали новый импульс развитию жанра городского пейзажа. Поиск живописного эффекта уступил место восхищению перед «современностью». Самым типичным художником этого направления является Камиль Писсарро (1830-1903). Его серия работ Оперный проезд в Париже изображает перспективы главных артерий города.
Художник Жан Беро (1849-1935) работал над многочисленными Видами бульвара, преследуя ту же цель, что и Писсарро. Однако он так детально и тщательно прорисовывал толпу, что его произведения носят оттенок документальности.
Вокзал Сан-Лазар много раз вдохновлял Клода Моне (1840-1926). В картине, выставленной в музее Орсе, огромный неф из железа и стекла, словно «собор нового человечества» (Теофиль Готье), является строгой рамкой, где в золотистой дымке появляются голубоватые клубы пара, выплевываемые паровозом.
В картине Постава Кайботта (1848-1894) Крыши под снегом поиски занимательного городского пейзажа доходят до абсолютной точки. Его видение крыш столицы превращается в почти абстракцию, придающую картине необычайное очарование.
Эйфелева башня является известным символом не только современного Парижа, но и самых смелых инноваций в индустриальной архитектуре. У нее появился свой художник, Робер Делоне (1885-1941). В башне мастер видел «стальную музу нового мира, которую он изучал, разглядывал и обожал под всеми углами зрения, с помощью радужного бинокля наблюдателя». С 1909 г. вплоть до самой смерти Делоне сделал из башни самый любимый сюжет своих полотен. Сначала она предстает в виде разрозненных частей, как это было принято у кубистов, позднее художник использует башню как предлог для передачи ярких цветов, которые заполняют собой картину. Именно такая работа, выполненная в 1923 г., находится в Музее современного искусства. В ней Делоне удалось передать головокружительную высоту башни, увиденной снизу, простым подбором ярких красок. До Делоне не много художников решались сделать из башни постоянный источник вдохновения, но некоторым из них она служила моделью. Одним из таких мастеров был Поль-Луи Деланс, автор одной картины, полной очарования, написанной им в январе 1889 г.
В ней показан момент начала работ, за несколько месяцев до открытия Всемирной выставки 1889 г. Окутав металлическую конструкцию клубами строительного дыма, художник смог превратить башню в аллегорию промышленного развития. Спустя несколько лет Луи-Вельден Хокинс (1849-1910), англичанин по происхождению, принявший французское гражданство, отвел Эйфелевой башне роль второго плана в интересной композиции: обрезанная в высоту и в ширину, она оттеняет одну декоративную статую на Трокадеро. После Делоне, одной из самых интересных картин, запечатлевших башню, является работа Николя Де Сталя (1914-1954). После нескольких лет поисков чистой абстракции, в этой картине, написанной в 1954 г., художник возвращается к более привычным формам. Несмотря на крайнюю простоту рисунка, памятник легко узнаваем.
Берега Сены были самым распространенным мотивом у художников. Некоторые из них были более чувствительны к очарованию реки. Ян Бартольд Йонгкинд (1819-1891), голландец по происхождению и по художественному образованию, во время своего пребывания в Париже пристрастился к изображению Сены в разных ракурсах. Его Вид на Нотр-Дам, датируемый 1864 г., намекает о встрече с Моне, как видно по новой игре света и отблеску воды. Альбер Марке (1875-1947), напротив, довольствовался малым числом точек обзора реки, но повторял их многократно. Это объясняется тем, что художник чаще рисовал то, что видел из окон своей мастерской, которую менял несколько раз. Картины Собор Нотр-Дам в снегу и Новый мост, эффект тумана появились после увлечения художника фовизмом, закончившегося в 1907 г. Яркие краски первых видов Парижа уступили место сдержанным тонам, полным нюансов, которым Марке останется верен до самой смерти.
Максимильен Люс между 1887 и 1897 полностью погрузился в неоимпрессионизм, используя разделенные мазки в своей серии из десяти картин посвященных собору, среди которых Набережная Сен-Мишель и Собор Нотр-Дам.
“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”
Анри Канвейлер
XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.
А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.
Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.
Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.
Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.
1. Эдуард Мане (1832-1883 гг.)
Эдуард Мане. Автопортрет с палитрой. 1878 г. Частная коллекцияМане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.
Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.
Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.
В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.
Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863 г. , Париж Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.
“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.
Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847 г. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.
“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.
Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.
Эдуард Мане. Ангелина. 1860 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia.commons.org Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.
Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.
Эдуард Мане. Аржантей. 1874 г. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikipedia.org Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.
Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.
2. Клод Моне (1840-1926 гг.)
Клод Моне. Автопортрет в берете. 1886 г. Частная коллекция Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.
Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.
Клод Моне. Лягушатник. 1869 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных - .
В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.
Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.
Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873 г. (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” - главная черта импрессионизма.
К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика - это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.
Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.
Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.
Так появились бесчисленные стога сена.
Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891 г. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891 г.
Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов. Это ещё одно их изобретение.
Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.
О самой знаковой картине мастера читайте в статье
3. Огюст Ренуар (1841-1919 гг.)
Пьер-Огюст Ренуар. Автопортрет. 1875 г. Институт искусства Стерлинга и Франсин Кларк, Массачусетс, США. Pinterest.ru Импрессионизм - это самая позитивная живопись. А самым позитивным среди импрессионистов был Ренуар.
В его картинах вы не найдёте драмы. Даже чёрной краской он не пользовался. Только радость бытия. Даже самое банальное у Ренуара выглядит прекрасным.
В отличие от Моне, Ренуар чаще писал людей. Пейзажи для него были менее значимы. На картинах отдыхают и наслаждаются жизнью его друзья и знакомые.
Пьер-Огюст Ренуар. Завтрак гребцов. 1880-1881 гг. Собрание Филлипса, Вашингтон, США. Wikimedia.commons.org Не найдёте вы у Ренуара и глубокомыслия. Он был очень рад примкнуть к импрессионистам, которые поголовно отказывались от сюжетов.
Как он сам говорил, наконец у него есть возможность писать цветы и назвать их просто “Цветы”. И не выдумывать никаких историй про них.
Пьер-Огюст Ренуар. Женщина с зонтиком в саду. 1875 г. Музей Тиссена-Бормениса, Мадрид. arteuam.com Лучше всего Ренуар чувствовал себя в обществе женщин. Он просил своих служанок петь и шутить. Чем глупее и наивнее была песенка, тем лучше для него. А мужская болтовня его утомляла. Неудивительно, что Ренуар известен полотнами в стиле ню.
Модель на картине “Обнаженная в солнечном свете” словно проявляется на красочном абстрактном фоне. Потому что для Ренуара нет ничего второстепенного. Глаз модели или участок заднего фона равнозначны.
Пьер-Огюст Ренуар. Обнаженная в солнечном свете. 1876 г. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.commons.org Ренуар прожил долгую жизнь. И никогда не откладывал кисть и палитру. Даже когда его руки совсем сковал ревматизм, он привязывал кисточку к руке веревкой. И рисовал.
Как и Моне, он дождался признания после 40 лет. И увидел свои картины в Лувре, рядом с работами знаменитых мастеров.
Об одном из самых обворожительных портретов Ренуара читайте в статье
4. Эдгар Дега (1834-1917 гг.)
Эдгар Дега. Автопортрет. 1863 г. Музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон, Португалия. Cultured.com Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на пленэре (на открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной палитры.
Наоборот, он любил чёткую линию. Черного цвета у него предостаточно. И работал он исключительно в студии.
Но все же его всегда ставят в ряд с другими великими импрессионистами. Потому что он был импрессионистом жеста.
Неожиданные ракурсы. Асимметрия в расположении объектов. Застигнутые врасплох персонажи. Вот главные атрибуты его картин.
Он останавливал мгновения жизни, не давая персонажам опомниться. Посмотрите хотя бы на его “Оркестр оперы”.
Эдгар Дега. Оркестр оперы. 1870 г. Музей д’Орсе, Париж. commons.wikimedia.org На переднем плане спинка стула. Музыкант к нам спиной. А на заднем фоне балерины на сцене не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно “обрезаны” краем картины.
Так любимые им танцовщицы далеко не всегда изображены в красивых позах. Порой они просто делают растяжку.
Но такая импровизация мнимая. Конечно, Дега тщательно продумывал композицию. Это лишь эффект стоп-кадра, а не настоящий стоп-кадр.
Эдгар Дега. Две балетные танцовщицы. 1879 г. Музей Шелбурн, Вермут, США Эдгар Дега любил писать женщин. Но болезнь или особенности организма не позволяли ему иметь с ними физический контакт. Он никогда не был женат. Никто никогда не видел его с дамой.
Отсутствие реальных сюжетов в его личной жизни добавляло тонкую и напряженную эротичность его образам.
Эдгар Дега. Звезда балета. 1876-1878 гг. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.comons.org Обратите внимание, что на картине “Звезда балета” прорисована только сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы. Разве что несколько ног.
Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём. Оставить в фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим, неразборчивым.
О других картинах мастера читайте в статье
5. Берта Моризо (1841-1895 гг.)
Эдуард Мане. Портрет Берты Моризо. 1873 г. Мармоттан-Моне музей, Париж. Берту Моризо редко ставят в первый ряд великих импрессионистов. Уверена, что незаслуженно. Как раз у неё вы встретите все главные черты и приёмы импрессионизма. И если вам этот стиль нравится, вы полюбите ее работы всей душой.
Моризо работала быстро и порывисто, перекладывая на холст своё впечатление. Фигуры словно вот-вот растворятся в пространстве.
Берта Моризо. Лето. 1880 г. Музей Фабре, Монпелье, Франция. Как и Дега, она часто не дорисовала некоторые детали. И даже части тела модели. Мы не можем различить рук у девушки на картине “Лето”.
Путь к самовыражению у Моризо был трудным. Мало того, что она занималась “небрежной” живописью. Она ещё была женщиной. В те времена даме полагалось мечтать о замужестве. После чего любое хобби забывалось.
Поэтому Берта долго отказывалась от брака. Пока не нашла мужчину, который уважительно отнёсся к ее занятию. Эжен Мане был родным братом художника Эдуарда Мане. Он покорно носил за женой мольберт и краски.
Берта Моризо. Эжен Мане с дочерью в Буживале. 1881 г. Мармоттан-Моне музей, Париж. Но все же дело было в XIX веке. Нет, брюки Моризо не надела. Но полной свободы передвижения она себе позволить не могла.
Она не могла пойти в парк работать в одиночестве, без сопровождения кого-то из близких. Не могла посидеть одна в кафе. Поэтому ее картины - это люди из семейного круга. Муж, дочь, родственники, няни.
Берта Моризо. Женщина с ребёнком в саду в Буживале. 1881 г. Национальный музей Уэльса, Кардифф. Моризо признания не дождалась. Она умерла она в 54 года от воспаления лёгких, не продав при жизни почти ни одной своей работы. В ее свидетельстве о смерти в графе “род занятий” стоял прочерк. Немыслимо было женщине зваться художником. Даже если она им на самом деле была.
О картинах мастера читайте в статье
6. Камиль Писсарро (1830 – 1903 гг.)
Камиль Писсарро. Автопортрет. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikipedia.org Камиль Писсарро. Неконфликтный, рассудительный. Многие его воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о Писсарро плохо не говорили.
Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь, имея жену и пятерых детей, он все равно упорно работал в своем любимом стиле. И ни разу не переключился на салонную живопись, чтобы стать более популярным. Не известно, откуда он брал силы до конца верить в себя.
Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера, которые охотно раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет! Тогда наконец он смог забыть о нужде.
Камиль Писсарро. Дилижанс в Лувесьенне. 1869 г. Музей д’Орсе, Париж Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав цвета и объёма.
Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы, которые показываются на мгновение и исчезают. Первый снег, морозное солнце, длинные тени.
Камиль Писсарро. Иней. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж Самые известные его работы - виды Парижа. С широкими бульварами, суетной пестрой толпой. Ночью, днём, в разную погоду. В чем-то они перекликаются с сериями картин Клода Моне.
Художник Jean Beraud (Жан Беро) написал огромное количество жанровых работ о жизни Парижа и парижского общества. Художник родился в декабре 1848 г. в Санкт-Петербурге. Его отец был скульптором и по приглашению императорской семьи участвовал в строительстве Исаакиевского собора.В 1853 г. Беро-старший внезапно умер и его вдова с четырьмя маленькими детьми была вынуждена вернуться в Париж.В Париже Жана определили в лицей Бонапарта - у молодого человека было огромное желание изучать юриспруденцию и получить профессию адвоката. Однако, очень скоро он оставил юриспруденцию и поступил в Школу изящных искусств, где учился у известного французского художника-портретиста Леона Бонна.После окончания Школы искусств поселился в квартале художников на Монмартре, открыл собственную мастерскую и начал писать портреты. Свои работы художник регулярно выставлял в Парижском салоне. художника о парижской жизни.Изначально Жан Беро пишет свои полотна в соответствии с академическими канонами, но с годами всё больше «сдвигается» к импрессионизму. Жан Беро предпочитал писать Париж, его сутолоку, многолюдные улицы и шикарные солоны. Особенно его увлекали кафешантаны (рестораны и кафе, в которых выступали артисты) с их яркими красками, атмосферой праздника и бесшабашной радости. Совершенство рисунка, изящество линий, тонкая проработка цвета, тщательная детализация, „возвышенный“ и понятный сюжет, а главное — рационалистически выверенная система правил, предписывающая подход к изображению того или иного объекта-это его узнаваемый почерк.
Монмартр был деревней ещё полтора века назад, в 1859 году его присоединили к Парижу. В самом городе в то время вовсю шла глобальная перестройка по Осману , сносились целые старые кварталы, а на их месте строились красивые широкие бульвары: Париж менял свое трущобно-нищенское лицо на буржуазно-сытое. Жизнь в «новом» Париже стала дорогой, и многие перебирались на холм. Таким образом, Монмартр заселялся нищими рабочими, урбанизирующимися крестьянами, а так же всяким сбродом (недаром именно здесь родилась Парижская коммуна), и застраивался в отличие от города внизу, небольшими хибарками в деревенском стиле, над которыми резали небо 3 десятка мельниц.
Здесь же стали снимать углы бедные представители богемы. И если Мане-Сислей-Моне-Сезанн-Писсарро обживали районы у подножия холма (Бульвары Клиши, Батиньоль), то следующему поколению художников, ищущему дешевизны, уже пришлось карабкаться выше по склону.
Здесь пытались выживать и в то же время по-настоящему жили:
Пьер Огюст Ренуар (к моменту заселения на Монмартр он уже слыл метром и вызывал почтительную оторопь у молодежи);
Илья Репин (здесь он написал «Садко» - свою «махину за медаль», в то время в России, как и во Франции, официальные лица любили награждать крупноформатные полотна);
Винсент ван Гог (правда, он не ютился в бараке, а очень неплохо устроился во вполне приличном доме у Тео, своего брата и менеджера по торговле живописью);
Поль Гоген (будучи успешным брокером, он мог прожить жизнь почтенного буржуа, но решил стать художником, оставил работу, жену, пятерых детей и закончил свой век на Таити, рисуя голых туземок, заполнивших теперь мировые музеи);
несчастный Тулуз-Лотрек, граф, ставший пьяницей, живущем среди проституток, вечно шутивший, чтоб не плакать (его родители были более близкими родственниками, чем следует, в результате чего сын получился карликом);
Анри Руссо по кличке Таможенник, примитивист-самоучка, делавший мир добрее…
После наступило время Пабло Пикассо, Амедео Модильяни, Мориса Утрилло…
Пикассо приехал в Париж в 1904-ом. Он жил здесь в знаменитом доме Бато-Лавуар, что на площади Эмиля-Гудо, как и Модильяни, и Вламинк… Этот барак, сбегающий по склону, казался 5-этажным, если смотреть снизу, и одноэтажным с площади. Из удобств тут был лишь один кран с холодной водой на всех. Сюда, к своему другу Моди (Модильяни) часто заваливался вечно пьяный Утрилло, также здесь бывали Аполлинер, Матисс.
Кстати, Морис Утрилло – классический монмартровец, нищий любитель зеленого змия, сын художницы Сюзанны Валадон, бывшей моделью и любовницей многих перечисленных выше. Сюзанна не знала, кто был её отцом, как не знал своего отца и Морис (Утрилло – фамилия отчима мальчика). Так творилось великое искусство, стоящее теперь миллионы.
Удивительно, как обыватели, недолюбливающие творцов при жизни, начинают любить их после смерти. Ван Гог, убивший себя, потому что больше не хотел выдаивать из брата последние деньги, не дождался от них ничего, пока был жив, теперь же они легко расстаются с восьмизначными суммами, чтоб обладать его творениями. Этот вирус лицемерия поразил и Монмартр, вернее, к счастью, лишь его раскрученные места, ведь обыватель не любит долго ходить вверх-вниз. Вместо сгоревшего Бато-Лавуар, построен новый, уже с отоплением и электричеством, и туда решением муниципалитета заселены официальные художники, а где-то, также как когда-то ван Гог, помирает другой художник, чьи картины оценят чуть позже или не оценят вовсе.
